為什麼西洋青銅雕塑中有這麼多裸體人物？「那塊布」的謎團與裸體表現的歷史

在欣賞西洋古董青銅雕塑時，經常可以看到裸體或半裸體的人物。不只是女性，男性甚至孩童也常以裸體的姿態出現。為什麼西洋雕塑中會有這麼多裸體人物呢？

追溯其背景，可以回到約西元前6至4世紀的古希臘、羅馬，以及由此延續而來的西洋美術傳統。此外，裸體本身所能表達的意義，以及人體與青銅這種材質之間的相性，也都與此有關。

而且仔細觀察這些裸體雕塑，還會發現不少作品並非完全裸體，而是「不知為何偏偏只用布遮住私密部位」。

本文就從欣賞西洋青銅雕塑時容易產生的這些「為什麼？」出發，一一來看看背後的原因。

為什麼「裸體」在西洋美術中特別重要？

要了解為什麼西洋美術中經常出現裸體人物，就要追溯到古希臘、羅馬的美術。

古希臘美術與宗教、神話有著密切的關係。
希臘神話中的眾神，並不是以與人類截然不同的形象出現，而是被塑造成與人類相似的姿態。因此，在表現神祇與英雄時，人體本身便成為非常重要的題材。

不過，藝術家並不是把神祇塑造成普通人的模樣。
雕塑家並非單純照著現實中的人體如實複製，而是追求更加美麗、更加和諧的理想人體。
簡單來說，也可以理解為，他們試圖透過人體來表現「既然是神，想必應該比人類更加美麗、更加健壯」這樣的理想形象。

因此，雕塑家不斷研究人體的比例、肌肉、姿勢與動作，追求與神祇和英雄相稱的美感與力量。
而最能清楚展現這種理想人體的方式，正是沒有被衣服遮掩的「裸體」。

就這樣，人體本身逐漸成為西洋美術中極為重要的表現方式之一。

脫掉衣服後，「身分」與「時代」也會消失？

衣服所包含的資訊，其實比我們想像中還要多。
例如穿著西裝，看起來就像近代的紳士；身披鎧甲，則容易讓人聯想到戰士。從服裝上，有時甚至可以推測人物所處的時代、身分與職業。
此外，服裝也必然反映出當時的「流行」。

當年最時髦的禮服，隨著時代改變，也會成為象徵某個過去年代的服裝。反過來說，如果去除衣服，這些代表時代與身分的資訊也會隨之減少。
裸體的一個特點，就是能夠讓人物脫離特定時代，更容易被塑造成超越時代的普遍性存在。

因此，在西洋美術中，表現神話人物、寓意，或將「愛」、「美」、「勝利」、「青春」等看不見的概念人格化時，經常會採用裸體或半裸體的形象。

換句話說，裸體不只是為了展現肉體之美，同時也是一種去除流行、身分等現實資訊，藉此表現「人本身」以及超越時代之主題的方法。

青銅是一種非常適合表現人體的材質

之所以會出現如此多的裸體雕塑，青銅這種材質本身非常適合人體表現也是原因之一。

能夠製作大膽而富有動感的姿勢

與大理石等石材相比，青銅具有較高的強度，因此較容易表現纖細的手腳，以及大幅伸展、遠離身體主體的部位。

因此，無論是單腳站立、手臂大幅伸展，還是扭轉身體等姿勢，青銅都非常適合表現讓人感受到人體動態的造形。

石雕為了支撐容易折斷的部位，有時需要加上支柱等結構；相較之下，青銅則更容易創造出大膽運用空間的造形。

肌肉與皮膚的細微質感也能保留下來

青銅雕塑通常是以黏土或蠟等材質製作的原型為基礎，再經由鑄造完成。

使用柔軟材質製作原型時，可以細緻塑造肌肉的隆起、皮膚的凹凸、血管、指尖與頭髮等非常微小的細節。

而透過鑄造，原型上塑造出的細微表情與質感，也能被轉移到金屬上，這正是青銅雕塑的一大特色。

尤其在裸體雕塑中，肌肉的張力、身體扭轉等細微差異，都會直接影響人物所呈現出的動感與力量。

光與影讓人體更加立體

此外，當光線照射在青銅雕塑表面的細微凹凸上時，也會形成鮮明的明暗變化。

肌肉隆起的部分受到光線照射，凹陷處則形成陰影，因此隨著觀看角度與光線方向不同，人體的立體感也會產生很大的變化。

青銅具有足夠的強度，可以塑造大膽的姿勢，同時又能再現人體細緻的造形。

了解這些特性之後，也就不難理解為什麼青銅長久以來一直被廣泛運用於人物雕塑。

裸體雕塑中常見、遮住私密部位的「那塊布」究竟是什麼？

觀看裸體人物雕塑時，是否經常會發現，不知為何偏偏只有私密部位被一塊布遮住？

明明幾乎全身赤裸，卻只有那個地方恰到好處地被布遮住，甚至會讓人忍不住想：「是不是遮得有點太刻意了？」

其實，這塊看似有些奇妙的布，也與西洋美術中的裸體表現歷史有關。

在古希臘、羅馬時期，理想化的人體之美被廣泛表現。然而到了中世紀的歐洲，以裸體本身的美感為主要表現對象的作品，已不像古代那樣受到重視。

到了約14至16世紀的文藝復興時期，古希臘、羅馬美術再次受到重視，裸體表現也隨之大幅復興。
像米開朗基羅的《大衛像》一樣，以完全裸體的姿態堂堂正正展現人體之美的作品也隨之誕生。

然而到了16世紀後半，尤其在宗教美術中，「裸體真的可以表現到這種程度嗎？」這類批評逐漸增加，社會也越來越要求藝術採取較為含蓄、端莊的表現方式。

米開朗基羅畫的裸體，後來竟被加上了「腰布」

其中最具代表性的事件，就是米開朗基羅繪製於西斯汀禮拜堂的《最後的審判》。

這幅完成於1541年的巨型壁畫中，描繪了大量裸體人物。
然而，如此大膽的裸體表現也成為批評的對象，甚至讓人質疑：「就算是藝術，在禮拜堂裡畫這麼多裸體人物真的可以嗎！？」

於是，在米開朗基羅去世後，為了遮住其中一部分裸體人物，畫家達尼埃萊・達・沃爾泰拉負責在人物身上加畫腰布等遮蔽物。

也因為這項工作，他後來被稱為「Il Braghettone」，大致可以理解為「替人穿上褲子的人」，是一個多少帶有揶揄意味的不太光彩的綽號。
在日本，他有時甚至會因為這項工作而被更直白地介紹成「ふんどし画家（兜襠布畫家）」。

米開朗基羅辛苦完成的裸體人物，後人竟然特地再替他們補上一塊布，也算是美術史上一段相當有趣的插曲。

從此以後，「腰布」就變多了嗎？

當然，並不是因為《最後的審判》這一件事才開始出現這種變化。不過到了16世紀後半，尤其在宗教美術中，人們確實越來越要求以較為含蓄的方式表現裸體。

因此，藝術家雖然仍繼續描繪裸體，卻也開始廣泛採用「這裡還是遮一下比較好吧」的方式，只用布遮住腰部或私密部位。
米開朗基羅《最後的審判》在完成後又被加畫腰布，正是象徵這種時代氣氛轉變的事件之一。

有趣的是，只遮住一小部分，有時反而會讓觀看者更加意識到布料下面的身體。

到了19世紀的青銅雕塑中，也仍然可以看到許多幾乎全裸、卻只在腰部或腿部披上一小塊布的人物。

【番外篇】為什麼日本街頭也有這麼多裸女雕像？

走在日本的公園、車站前或市政府等公共場所，有時會看到裸女青銅雕像。

其實，日本街頭這類裸女雕像大量增加，主要是在第二次世界大戰之後。

戰前的公共空間中，曾經設置許多軍人與政治家的銅像。然而戰爭期間，許多銅像因金屬徵集而消失；戰後，一些被視為象徵軍國主義的雕像也陸續遭到撤除。

而戰後重新出現在公共空間中的人物雕塑之一，就是年輕女性與裸女的形象。

「手無寸鐵的裸體女性」成為和平的象徵

戰前常見的銅像，多是身穿軍服的軍人，或手持武器的男性。

與此形成鮮明對比的是，戰後的裸女雕像可以被賦予「不穿軍服、手中也沒有武器的裸體女性」這種與戰爭截然相反的形象。

其中具有象徵性的例子，是1951年設置於東京三宅坂的《和平群像》。這個地方過去曾矗立著出身陸軍的首相寺內正毅的銅像。

曾經矗立軍人銅像的地方，戰後換成了象徵「和平」的人物雕像。

在這樣的轉變之中，裸女雕像也逐漸被賦予和平、自由以及新時代等意義。

到了高度經濟成長期，作為「文化城市建設」的一環，日本各地開始積極在公園、車站前與公共設施設置雕塑。其中，承襲西洋雕塑傳統的裸女像也逐漸遍布各地。

因此，我們平時不經意看到的街頭裸女雕像，並不只是因為「西洋風格所以是裸體」這麼簡單。

從古希臘延續至今的西洋人體表現，以及經歷戰爭後的日本在新時代所追求的「和平」形象。

當這兩者交會在一起，便形成了日本街頭獨特的風景。這樣想來，平日熟悉的青銅雕像，或許也會開始呈現出不同的面貌。

總結

西洋青銅雕塑中之所以有如此多的裸體人物，背後有著從古希臘、羅馬延續而來，將人體本身視為美的重要對象的傳統。

這種觀念經過文藝復興，又延續到19世紀。神祇、英雄、寓意人物等各式各樣的形象，都曾以裸體的方式被表現。

欣賞古董青銅雕塑時，不妨想一想：「為什麼這個人物是裸體？」「他究竟代表誰？」「為什麼偏偏只有那裡有一塊布？」也許就能更深入地感受到作品的趣味。

本店提供來自不同國家的青銅雕塑，並以19世紀的西洋青銅作品為主。歡迎您在欣賞作品的同時，也一併感受每件作品背後的歷史與故事。